Il y a des rencontres que l’on fait dans une vie, dont on sait, pour diverses raisons, que rien n’est possible. Pourtant, l’attirance est là, et, au final, la déception n’en est que plus grande.
Cette chanson raconte cette histoire : celle où ce que vous voyez n’est pas tout à fait la réalité.

🎵 « Ce qu’on laisse » est une chanson qui parle de l’essentiel, de ce qui reste bien au-delà des possessions matérielles. Elle met en lumière la force des gestes simples, des paroles sincères et de l’amour discret que l’on transmet sans bruit. Une mélodie de vie qui rappelle que notre vrai héritage, ce sont les empreintes que l’on dépose dans le cœur des autres.

Les Routes Qu’on Prend

Chaque chemin que l’on suit, chaque détour imprévu, façonne qui nous sommes.
Les Routes Qu’on Prend est une chanson sur les choix, les rencontres et les mystères de la vie. Entre lumière et incertitude, elle raconte comment nos pas nous transforment autant que les routes elles-mêmes.

Un voyage musical intime, où chaque note est une trace laissée derrière soi…

« Quand on voit la vitesse… » est une track techno qui joue sur le contraste entre l’énergie de la musique et la gravité du texte.

Chaque couplet interroge la vitesse à laquelle nos vies s’usent, nos relations s’effritent, nos choix s’imposent. C’est une suite de questions brutes, jetées comme des éclats, face au rythme effréné du monde.

La techno, avec sa puissance et sa répétition, devient ici un miroir : la cadence frénétique des beats répond à la cadence de nos existences. Derrière la fête, une autre lecture : celle d’un cri, presque désespéré, mais qui trouve son exutoire dans la musique.

🎵 « Essaye Encore », Une chanson pour celles et ceux qui doutent, qui ont peur de rater.

À tous ceux qui avancent malgré l’échec, la peur ou le regard des autres.
C’est un hymne à l’audace, à l’élan intérieur, à cette force discrète qu’on appelle la persévérance.

La chanson explore ce moment fragile, où l’on hésite entre tout arrêter ou tenter encore.
Car ce n’est pas l’échec qui fait le plus mal.
C’est ce que l’on n’a pas osé faire.
Le regret de ne pas avoir essayé est souvent plus dur à porter que celui d’avoir échoué.

« Il vaut mieux regretter d’avoir raté, que regretter de ne pas avoir essayé. »
(Petit clin d’œil à une personne qui se reconnaîtra).

C’est cette phrase qui me suit depuis très longtemps et qui m’a inspiré cette chanson.

Chaque couplet est une main tendue à celles et ceux qui doutent d’eux-mêmes, à ceux qui pensent ne pas être assez.
Parce que parfois, exister, c’est simplement avoir le courage de tenter et croire, encore. Même quand tout semble dire le contraire.

Cette chanson que j’ai écrite sur GarageBand et interprétée il y a 20 ans porte un regard critique sur un monde où les informations sont manipulées, où les médias diffusent des messages trompeurs et où le contrôle des puissants est omniprésent.

À l’époque, sa version rock dégageait une énergie brute, aujourd’hui, revisité dans une version pop-reggae, le morceau garde son message d’espoir et de résistance, tout en apportant une touche plus légère et dansante.

Le thème central de la chanson reste le même : face aux dérives de la société, la meilleure réponse est de « danser, vivre et respirer ». Elle nous invite à fuir les « méfaits des ondes et des télés » et à retrouver une forme de liberté à travers l’expression personnelle et la fête, loin des manipulations des médias, de la politique et de la consommation. Un appel à préserver notre autonomie de pensée et à rêver d’un monde meilleur.

Au début, il n’y a rien.
Une toile blanche, une page vide.
Un regard croisé, un silence partagé.
Tout est possible, mais rien n’est encore fait.

Alors, on ose un trait.
On pose une première couleur, une première parole.
On avance doucement, sans trop appuyer.
On ne veut pas brusquer l’équilibre fragile.

L’arrière-plan se construit,
comme une confiance qui s’installe,
comme un décor qui prépare l’histoire.
On apprend les lumières et les zones d’ombre.

Puis les détails apparaissent.
On commence à voir ce qu’on ne voyait pas.
Les nuances, les contrastes.
Les rires, les blessures, les vérités.

Et parfois, sans qu’on s’en rende compte,
le tableau est là.
La rencontre a pris forme.
Et on se dit que c’était peut-être écrit dès le début.

Et ça l’était, mais pas sur le papier

Ce morceau donne la voix à une jeunesse qu’on regarde souvent de travers. Celle qui marche sur un fil, entre pression sociale, galères et rêves qu’on n’ose à peine formuler.

Pas de morale, pas de leçon. Juste un constat… et une lueur.

S’il y a bien une chose que je n’oublie jamais, c’est qu’il faut toujours encourager la jeunesse, surtout celle qui démarre mal dans la vie.
Ne jamais oublier qu’il y a des moments où un mot, une phrase, une chanson, peuvent tout changer.

Les paroles racontent ce combat intérieur, entre renoncement et espoir, entre l’appel du vide… et la force d’y croire, malgré tout.

Parce qu’on n’est pas tous à armes égales, mais que certains se lèvent, debout dans la tempête, avec rien… sauf leur feu intérieur.

À peine j’ai dit présent, que c’était du passé

Cette chanson parle du temps qui échappe, de ces instants si fugaces qu’ils disparaissent au moment même où on les vit. C’est une réflexion douce-amère sur la mémoire, et l’impuissance à retenir ce qui compte vraiment.

Chaque couplet est une tentative de capturer l’éphémère, de figer un moment qui déjà s’efface. Les souvenirs, les émotions, les visages aimés… tout glisse entre les doigts.
C’est aussi un hommage à ces petits fragments de vie qui nous marquent, même s’ils ne durent qu’une seconde.

Mais ne vous y trompez pas : derrière les mots, il y a le rythme.

Cette chanson dresse, avec lucidité, le tableau d’un avenir tout proche : un monde où la technologie pourrait supplanter l’humain à grande échelle. Caissières, graphistes, scénaristes, codeurs… autant de métiers que les machines, plus rapides, plus précises, mais sans âme, risquent d’effacer.

Plus qu’un constat, c’est une réflexion sur notre propre évolution. Que sommes-nous prêts à sacrifier au nom du progrès ? Et à quel prix ?
Reculer n’est plus possible, mais avancer sans conscience pourrait bien nous coûter plus que l’on imagine.

Faut-il tout accepter ? Faut-il résister ?
« Dans dix à quinze ans » ne donne pas de leçon, mais soulève une question essentielle :
que restera-t-il de nous si l’on laisse tout filer ?

Entre chanson engagée et poésie contemporaine, ce morceau se veut autant à écouter… qu’à méditer.

Les chemins semblent écrits…

« Destin » raconte l’histoire universelle d’un amour né par surprise, un regard, un sourire, une rencontre qui bouleverse tout. Au départ, tout semble simple : une romance douce, presque évidente, comme un slow infini où l’avenir se construit à deux, naturellement.

Mais très vite, les couplets racontent autre chose : l’illusion du chemin tout tracé. Mariage, enfants, travail, routine… une vie organisée, balisée, sécurisée. Et puis, l’imprévu. Le drame. Le chaos. Le cœur qui vacille face à l’inattendu, face à un autre regard, une autre vérité.

Ce morceau explore la tension entre ce que l’on planifie et ce que la vie impose. Il pose une question intime et troublante : que devient une existence bien rangée lorsqu’une émotion plus forte que tout vient la bouleverser ?

Un titre à la croisée de la chanson d’auteur et de la narration poétique, pour évoquer ces moments où le destin prend un virage… inattendu.

« Elle sait ce qu’elle veut » met en scène une figure à la fois fascinante et inquiétante : une femme lucide, ambitieuse, stratège, qui avance masquée derrière un sourire maîtrisé. Ce morceau soulève la question de ce que l’on est prêt à faire, ou à devenir, pour être vue, respectée, aimée… ou simplement exister.

Dans un monde de rapports de force, où les apparences sont reines et la sincérité une faiblesse, elle choisit de jouer le jeu. Elle sait comment capter l’attention, comment séduire, convaincre, retourner les situations à son avantage.

La chanson explore cette dualité : froid calcul ou cri d’existence ? Manipulation ou mécanisme de survie ? À travers ses choix, elle blesse, elle trahit. « Elle sait ce qu’elle veut » parle de celles et ceux qui avancent dans l’ombre, masqués, quitte à devenir ce que les autres redoutent.

Cette chanson est comme une lettre jamais envoyée, un témoignage à cœur ouvert. Elle parle d’une rencontre brève mais marquante, qui a provoqué un électrochoc émotionnel chez celui qui écrit. Un moment suspendu dans le temps, où se sont entremêlés beauté, trouble, gratitude et regrets.

Le texte ne cherche ni à séduire ni à justifier. Il raconte l’éveil d’un cœur fatigué, qui se remet à battre au contact d’une jeune femme, Lola, perçue comme une muse inattendue. Il n’est pas question d’histoire d’amour conventionnelle, mais d’une inspiration forte, presque artistique, qui dérange autant qu’elle bouleverse.

La chanson aborde aussi la lucidité d’un homme face à ses propres limites, au regard des autres, au poids de l’âge, à la confusion possible.

En somme, c’est une balade introspective, sincère et pudique, sur le pouvoir de certaines rencontres, même fugaces, à réveiller ce qu’on croyait éteint. Une chanson qui parle de l’humain, de l’émotion brute, et du fil parfois flou entre admiration, inspiration, et émotion réelle.

Attention Danger

Voici une chanson coup‑de‑poing, mi‑slam mi‑hip‑hop, qui dénonce la petite hypocrisie sociale : on t’invite à « être toi‑même », mais seulement tant que ça ne dérange personne.
Couplet après couplet, la voix pointe cette contradiction : dire « je t’aime » effraie, dire « je n’aime pas » condamne, et se taire passe pour de la fuite. Le refrain lance l’alerte, Attention, danger »  comme un avertissement sarcastique : aimer, parler vrai, oser exister, c’est devenu risqué.

Entre beats tendus et flow incisif, “Attention Danger” rappelle qu’à force de vouloir rentrer dans la case, on finit par s’effacer. Mieux vaut vivre « risqué » que se museler ; mieux vaut une vérité brutale qu’un silence qui tue. Un morceau frontal, libre, qui encourage à lâcher les masques… même si ça casse.

Cette chanson, « Alors je bouge, je provoque, j’invente », est un hymne à la résilience. Elle parle de ces moments où tout semble figé, bloqué, étouffant, mais où une énergie intérieure, parfois discrète, parfois furieuse, pousse à réagir, changer, créer.

Dans ses mots, il y a le refus de rester passif face au vide ou à l’angoisse. Quand les repères s’effondrent, que les nuits sont sans lumière, le personnage de la chanson décide de ne pas sombrer. Il bouge, provoque, invente. Il redéfinit ses règles, reconstruit sa méthode, reprend le contrôle, non pas sur les événements, mais sur sa manière de les traverser.

C’est une chanson motrice, dynamique, presque thérapeutique. Elle ne nie pas la douleur, mais elle la transforme en mouvement. Le refrain revient comme un mantra, une respiration vitale face aux doutes.

Plus qu’un message, c’est une posture : choisir l’action face à l’inertie, l’expression face au silence, l’élan face à la peur.

Un morceau porteur d’énergie, de détermination lucide, qui parle aussi bien aux corps qu’aux âmes en veille.

L’Ère qui vient

Avec « Dans dix à quinze ans », je posais un regard inquiet, presque désabusé, sur l’évolution du monde, sur cette accélération technologique qui semblait nous échapper, avec un sentiment d’impuissance face aux dérives à venir.

« L’Ère qui vient », prolonge cette réflexion… mais avec une autre énergie.
Le constat est toujours là : l’IA s’impose, elle transforme tout, du travail à nos pensées. Mais cette fois, ce n’est plus une peur muette, c’est un appel à l’action.

Ce texte parle d’un tournant de civilisation.
Oui, les métiers changent, certains disparaissent. Oui, tout peut s’effondrer si on laisse faire.
Mais ce n’est pas une fatalité.
Ce qui est en jeu ici, ce n’est pas la technologie elle-même, mais ce qu’on choisit d’en faire.

« Ce n’est pas la fin, c’est le début. »

Ce morceau est une invitation à repenser le monde, à faire en sorte que cette révolution, silencieuse mais massive, ne soit pas seulement une rupture, mais une renaissance.
Une ère où la machine ne remplace pas l’humain, mais le libère.
Une ère où créer, rêver, aimer, devient enfin une priorité.

« Je t’invite à te dire… »

Un appel à l’éveil, sans dogme, ni slogan.

Cette chanson agit comme un miroir tendu à chacun d’entre nous.
Elle ne cherche pas à convaincre, ni à faire la morale, elle propose simplement un instant de recul, un espace mental où l’on s’interroge sur ce qu’on croit savoir… et sur ce qu’on vit vraiment.

Dans un monde saturé de médias, d’alertes, d’images choquantes et de discours anxiogènes, « Alors je t’invite à te dire » questionne notre perception de la réalité.
Sommes-nous en train de penser librement, ou rejouons-nous ce que d’autres ont imprimé dans nos têtes ?

Sans agressivité, sans prétention, ce texte s’adresse à celles et ceux qui sentent parfois qu’on les éloigne d’eux-mêmes.
Et s’il suffisait, juste un instant, de faire le vide, regarder autour de soi, et reprendre contact avec ce qui est là, physiquement, humainement ?

Une chanson douce, presque parlée, mais chargée d’un vrai fond : réfléchir à notre rapport au monde, à l’information, et à nous-mêmes.
Elle ne donne pas de réponses. Elle fait mieux : elle ouvre la porte aux bonnes questions.

« Sincérité » est une chanson intime, presque une confession. Elle explore ce moment fragile où l’honnêteté, même bien intentionnée, peut bouleverser un lien précieux.

Sur un fil tendu entre amitié et sentiments plus profonds, elle raconte une vérité livrée trop tard ou trop brutalement, et les conséquences douloureuses qui en découlent. Les regrets, les silences, les non-dits… Tout y est sincère, brut, sans fard.

C’est une chanson sur les choses qu’on aurait aimé dire autrement, ou ne pas dire. Sur ce que l’on perd, parfois, en voulant être vrai.